Exponentes

Totó la Momposina

Sonia Bazanta Vides (Talaigua Nuevo, Bolívar, 1 de agosto de 1940), más conocida como Totó la Momposina, es una cantante de música folclórica de la Costa Caribe de Colombia. Su música combina elementos africanos e indígenas tal como sucedió durante la época de la colonización española en América. Los ritmos que nacieron de esa fusión fueron múltiples siendo los más representativos la gaita, la cumbia, el porro, la chalupa, el sexteto y el mapalé.
Grabó su primera producción en Francia en el año 1983. Posteriormente se dedicó a recorrer Eropa y a estudiar en la universidad de La Sorbona de París, así como en otras instituciones de Santiago de Cuba y La Habana.
En 1991 participó en el Festival Cervantino de Guanajuato y en el festival de música del Caribe en Cancún, ambos en México. Ese año es invitada por WOMAD (World Music Arts and Dance), la fundación de Peter Gabriel, para grabar con el sello Real World el álbum “La Candela Viva” que apareció en el año 1993. En 1992 representa a Colombia en La Feria Mundial realizada en Sevilla, España .
En el año 2002 fue nominada al Premio Grammy Latino en la categoría mejor álbum tropical tradicional por Gaitas y Tambores. Posteriormente, en el año 2010 fue invitada a participar de la noche latinoamericana de los festejos por el Bicentenario de Argentina, el 22 de mayo, junto con grandes cantantes latinoamericanos. Ha hecho colaboraciones con artistas como Vox Dei, Los Jaivas, León Gieco, Víctor Heredia, Gilberto Gil, Jaime Roos, Calle 13, Gustavo Santaolalla Pablo Milanés Lila Downs y Celso Piña.
Éxitos:
Aguacero De Mayo, Tres Golpes, Soledad, Mañanitas De Diciembre, El Tigre, Mohana, Puya Puyará, Rosa, La Verdolaga, Son De Farotas, El Piano De Dolores, Tambolero, La Maya, Peyo Torres, El Cascabel, Le La Le La, etc.

 

 

Carlos Vives

Carlos Alberto Vives Restrepo (Santa Marta, Magdalena, 7 de agosto de 1961) es un cantante, actor y compositor colombiano. Es reconocido en América Latina y otras partes del mundo por mezclar música colombiana como el vallenato y la cumbia con pop y rock. Ha sido ganador de un Premio Grammy y siete veces ganador del premio Grammy Latino.

Vives, posee el récord de mayor número de nominaciones al Grammy Latino. Con más de 6 gramófonos en su haber, Vives fue el primer colombiano galardonado con un Grammy de la Academia Americana de la grabación. En España ganó el gran premio Barcelonés Ondas y en dos oportunidades el premio Amigo, entregado por el Principado de Asturias.

Gracias al escritor David Sanchez Juliao. Carlos Vives, dejo su nombre y apellido para convertirse en Gallito Ramirez, novela que protagonizó junto a Margarita Rosa de Francisco, una divertida historia de amor de un boxeador cartagenero. El éxito de la novela y de su personaje lo convirtió en uno de los primeros actores de exportación o mejor, que la televisión de Estados Unidos y Puerto Rico importaron.

A partir de ese momento concentra su pasión y talento en la música; grabo dos discos de baladas bajo sello Sony Music, y en el año 1987 fue nominado a los Premios Lo Nuestro como Artista Revelación. En ese tiempo alternó su trabajo en los dos mundos. En el año 1991 regresa a Caracol Televisión para hacer un musical televisivo sobre la vida y obra del famoso compositor vallenato Rafael Escalona, papel que le hizo merecedor del premio Simón Bolívar al mejor actor de ese año.

El éxito de la serie Escalona y su banda sonora lo llevaron por primera vez a varios escenarios de Latinoamérica. Pero lo que realmente impactó en la música de América Latina fue un nuevo concepto creado por Vives para producir la música tradicional de su país. Su disco “Clásicos de la Provincia”, una serie de canciones tradicionales de historias de su tierra a las que les dio vida con un sonido, un estilo y arreglos realmente revolucionarios, que hicieron de Vives un verdadero suceso internacional.

Carlos, cautivó multitudes en América y Europa su contagioso ritmo de “Clásicos de la Provincia”, con el que rompió su propio record de ventas, (triple DISCO de ORO y triple DISCO de PLATINO en 1993 y 1995) que ostentaba la banda sonora de Escalona y logró poner, en los primeros lugares de los listados pop, canciones de juglares vallenatos como Emiliano Zuleta, Juancho Polo Valencia, Luis Enrique Martínez, y Carlos Huertas, entre otros.

 

El impetú de Vives, no le permitió quedarse en la comodidad del éxito, sino que lo impulso a un siguiente nivel, que fue componer canciones de su propia autoría. Logro mezclar a la perfección, el encanto costeño, la fuerza vallenata, y la frescura del pop en “La Tierra del Olvido”, trabajo ganador de triple DISCO de PLATINO en 1996, catalogado por la crítica como el disco más importante en los últimos 50 años para la industria de la música colombiana.

Luego apareció “Tengo Fe”, DISCO de ORO y MULTIPLATINO en 1997. Adelante “El Amor De Mi Tierra”: DISCO ORO, DISCO DE PLATINO en 1999 en USA. En el 2000 DOBLE DISCO DE PLATINO en Colombia y TRIPLE DISCO DE PLATINO en España (Septiembre 2000). De este álbum el tema "Fruta Fresca" se mantuvo en el 1er puesto de la Revista Billboard - USA. 1999/2000.

La llegada a los Grammy"s Awards se dió en el 2000 en la edición 42. Nominado como “Mejor Cantante de Música Latina Tradicional Tropical” por el disco “El Amor de mi Tierra”. Feb 23, 2000. También Nominaciones como “Grabación del Año” por la canción “Fruta Fresca”. “Álbum del Año” por el álbum “El Amor de Mi Tierra”. “Canción del Año” por “Fruta Fresca”. “Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina” por “Fruta Fresca”. “Mejor Álbum Tropical Tradicional” por “El Amor de Mi Tierra”. “Mejor Canción Tropical” por “Fruta Fresca”. Sep 13, 2000.

A la lista de hits siguió “Déjame Entrar” ganador de “Grammy”s Awards” como Mejor Álbum Tropical Tradicional” Feb 27, 2002. “Latin Grammy”s Awards” Ganador de “Mejor Álbum Tropical Contemporáneo” por el álbum “Dejame Entrar”. Ganador de “Mejor Canción Tropical” por “Déjame Entrar”. Nominaciones como “Grabación del Año” por “Déjame Entrar”, “Álbum del Año” por el álbum “Déjame Entrar”, “Canción del Año” por “Déjame Entrar”, “Mejor Video Musical” por “Déjame Entrar” en Sept 18, 2002.

 

Entre 2009 y 2010 regresa a sus raíces y presenta una obra magistral con “Clásicos de La Provincia II” en alianza con la cadena de supermercados más importante de Colombia el “ÉXITO”, logrando 15 DISCOS DE PLATINO por más de 200 mil copias vendidas.

A todos estos reconocimientos se suman los premios otorgados por la Revista Shock, la publicación más importante en Colombia especializada en música.

Vives ha sido un artista comprometido con la infancia y la sociedad fue Embajador de la Buena Voluntad de UNICEF, participo en el concierto PAZ SIN FRONTERAS y fue invitado a la MISIÓN PROMESA CONTINUA 2012 de la Armada de los Estados Unidos.

 

 

 





Joe Arroyo

Álvaro José Arroyo González, (Cartagena de Indias, 1.° de noviembre de 1955 - Barranquilla, 26 de julio de 2011), mejor conocido como Joe Arroyo, fue un cantante y compositor colombiano de música salsa y tropical, considerado como uno de los más grandes intérpretes de música caribeña de su país. El Joe fue un artista respetado y admirado en toda Colombia.
Sus canciones fueron un éxito a nivel nacional e internacional, ganó múltiples discos de oro a lo largo de su carrera, entre ellos, 18 congos de oro y 4 super congos ganados en el Carnaval de Barranquilla. Entre sus canciones más relevantes destacan «La rebelión», «Yamulemao», «Mary», «En Barranquilla me quedo», «El Ausente», «Noche de arreboles», «Centurión de la Noche», «Ella y tú», entre muchas otras.
En noviembre de 2011, Álvaro José Arroyo ganó un premio Grammy Latino como mejor cantante/compositor en la ceremonia de los Grammy Latinos 2011.
Nacido y criado en el barrio Nariño de Cartagena, Arroyo comenzó su carrera a muy temprana edad, cuando desde los ocho años cantaba en bares y burdeles de Tesca, zona de tolerancia de su ciudad natal. En sus inicios cantó con agrupaciones como Los Caporales del Magdalena, Manuel Villanueva y su Orquesta y el Supercombo Los Diamantes (las dos últimas en 1970); en 1971 grabó con La Protesta.
En 1973 tiene su gran oportunidad cuando firma para Discos Fuentes y es reclutado por Julio Ernesto Estrada, el bajista, arreglista, compositor y productor de Fruko y sus Tesos, orquesta con la que alcanzó gran fama y con la que grabó ininterrumpidamente hasta 1981. Entre 1974 y 1975 actuó con Los Líderes (Los barcos en la bahía), entre 1976 y 1981 con The Latin Brothers (La guarapera), en 1976 con Los Bestiales, en 1978 con Pacho Galán (Volvió Juanita) y con La Sonora Guantanamera, y en 1980 con Los Titanes. También hizo coros en otros grupos como Piano Negro, Afro Son, Los Rivales, Los Bestiales, Wanda Kenya, los Hermanos Zuleta, el Binomio de Oro, Juan Piña, Mario Gareña, Gabriel "Rumba" Romero, Claudia Osuna, Claudia de Colombia, Oscar Golden, Yolandita y los Carrangueros, entre otros.
En 1981 fundó su propia orquesta, La Verdad, con la que se dedicó a mezclar diversas influencias musicales, fundamentalmente la salsa con la música costeña (cumbia, porro, chandé, entre otros) y con diversos ritmos del Caribe (socca, reggae) hasta crear su propio ritmo, el "joesón".
Algunos de los éxitos grabados con La Verdad son clásicos de la música costeña que le valieron muchos premios y ser considerado el Rey del Carnaval de Barranquilla, del que ganó 18 Congos de Oro y dos Supercongos de Oro (creados especialmente para él) en el Festival de Orquestas. Uno de sus mayores éxitos fue "La Rebelión" (1986), canción que narra la historia de un matrimonio africano, esclavos de un español, en la Cartagena de Indias del siglo XVII. El solo de piano, ejecutado por Chelito De Castro, y los soneos de Arroyo hicieron de "La Rebelión" un éxito inmediato que aún se baila en las fiestas y discotecas del continente. En México sucede el mismo fenómeno desde que se publicó por primera vez el tema en el LP "Tequendama de Oro Volumen 7" de Discos Peerless en 1987 y su LP "Joe Arroyo y su Orquesta La Verdad, Grandes éxitos", aún a la fecha el tema es muy popular en el movimiento sonidero.
Otras de las canciones más exitosas de Joe Arroyo fueron "El Caminante", "Confundido", "Manyoma", "Tania" (dedicada a su hija) y "El Ausente", todas grabadas con Fruko.
El álbum "Fuego en mi mente" (1988) contiene canciones con influencias de la música africana y de la salsa contemporánea. Con "La guerra de los callados" (1990), realizó su primera gira española. En 1993 editó "Fuego" y volvió a tocar en España.
Joe Arroyo grabó con las casas disqueras Discos Tropical (1970-1971), Discos Fuentes (1973-1990) y Discos Sony (1991-2002). Luego de una temporada de 11 años en Discos Sony, regresó a Discos Fuentes de Medellín en 2003, donde grabó sus últimos trabajos: "Se armó la moña en carnaval" (2004), "Mosaico de trabalenguas" (2006) y "El Super Joe" (2007). Joe Arroyo es uno de los cinco colombianos que han aparecido en la portada de la revista Rolling Stone.
Murió el 26 de julio de 2011, a las 7:45 (UTC -5), en la clínica La Asunción de Barranquilla a causa de un paro cardiorrespiratorio, producto de una falla multiorgánica (tensión alta, infecciones, problemas renales) que lo había mantenido en cuidados intensivos desde el lunes 27 de junio del mismo año. Fue sepultado el 27 de julio de 2011 en el cementerio Jardines de la Eternidad de Puerto Colombia. El 19 de octubre de 2011, su cadáver fue trasladado a un área especial para personajes ilustres en el cementerio Jardines de la Eternidad.
El 17 de diciembre de 2011, la Alcaldía de Barranquilla inauguró una estatua de Joe Arroyo en el parque de los Músicos.

 

 

José Barros

José Benito Barros Palomino nació en El Banco, Magdalena el 21 de marzo de 1915. Su padre João María Barro Traveceido, portugués, y su madre Eustasia Palomino murieron durante su niñez.
Fue el menor de cinco hermanos, creció cantando en la plaza del pueblo donde recaudaba algunos fondos y antes de cumplir los 17 José ya sabía tocar algunos instrumentos musicales como la guitarra.
Por esa misma época, el joven Barros inquieto quería conocer otras ciudades y poder enseñar su talento en otras plazas, sin embargo, por cuestiones de milicia obligatoria tuvo que postergar este sueño.
Luego de cumplir con su deber patrio arribó a Barrancabermeja en donde conoció músicos en circunstancias parecidas, allí formó parte de grupos y comenzó a tocar en bares de la región, después de un año decidió probar suerte en Medellín en donde ganó un concurso de canción inédita con una composición llamada “El Minero”.
Su siguiente destino fue la capital en 1950, allí conoció y compartió residencia con otro músico costeño, Jesús Lara Pérez “Tumbelé”. Es en Bogotá donde José se dio cuenta que la música caribeña tenía bastante acogida por los citadinos, quienes demandaban más composiciones de ese tipo, así que Barros compuso su célebre “El Gallo Tuerto”.
Gradualmente su voz y talento se conocieron fuera del país, en Panamá, México y Argentina, estas nuevas situaciones y el contacto con los músicos de los países visitados lo condujeron a componer rancheras y tangos.
Hacia los años 60`s regresa El Banco en donde con la compañía de un grupo de amigos emprende la realización del Festival de la Cumbia que se realiza en esta población, antes de este festival ya se había realizado el Festival de la piña y fue para este que compuso la reconocida e internacional cumbia "La piragua" con la que logró inmortalizar a Guillermo Cubillos y al municipio Chimichagua (muy cercano a El Banco).
Problemas de salud lo llevaron a la quietud física, pero su brillo innato de creatividad siguió y lo caracterizó siempre. El 12 de mayo de 2007 muere José Barros en Santa Marta.
“Es el más grande compositor de Latinoamérica” afirmó alguna vez el músico mexicano Agustín Lara.
Y así será recordado este talento colombiano que inmortalizó tonadas como “Momposina”, “La Piragua”, “Navidad Negra”, entre muchas otras.
Discografía:
Las composiciones de José Barros han sido interpretadas por artistas actuales como La Sonora Matancera, Carlos Vives, Tito Cortés, Charlie Figueroa y Bovea y sus Vallenatos.
Estas son algunas de sus canciones:
Vallenato

Corazón atormentado, Juanita, Ají Picante, El viajero, Las Hilanderas, Momposina, El Chupaflor, La Pava, La llorona loca, El Guere-Guere, Arbolito de Navidad, Pajarillo montañero y Me voy de la vida.
Pasillos
Pesares y Divagando.
Boleros
A la orilla del mar, Busco tu recuerdo y Carnaval.
Tangos
Cantinero sirva trago y Bandoneón.
Cumbia
Navidad Negra, El Pescador, La Piragua, Violencia, El Minero, Caminito de Luna, Juana Rosa Mana y Justiniana la ventanera.

PACHO GALAN

Nació en Soledad el 3 de octubre de 1906 en el hogar de Adolfo Galán Niebles y Teresa Blanco. Además del merecumbé creó más de 10 ritmos bailables de los cuales trascendieron en menor grado: el chiquichá (Camino culebrero, Al mar, etc.); el bambugay, mezcla de bambuco y gaita del cual hizo un solo número con ese mismo título; Mecemece (El mecenlece, El vaivén, Linda Noche); el tuki tuki (El tuki tuki candeloso, Alegrías del Carnaval). Hizo también otros ritmos de menor importancia denominadas Caminaito y Ritmo Pa. Compuso en todas las modalidades, desde boleros hasta pasillo, pasando por valses y torbellinos y creó también una buena cantidad de porros tan famosos como:

El brazalete (La butifarra de Pacho), El collar rosado, Marquitos Vanegas, Mario Jimeno y Barranquilla.

En 1952 a los 46 años de edad fue cuando se inició realmente el éxito nacional e internacional de Pacho. Había grabado por primera vez en Medellín con Discos Sonolux y con la colaboración musical de Luis Uribe Bueno Ay cosita linda, el merecumbé que le daría la vuelta al mundo. Además de conocer la gloria con esta composición se convirtió en el único músico costeño y colombiano en el presente siglo en crear nuevos ritmos bailables que trascendieron en el mundo de la música popular hispanoamericana.

"El Rey del Merecumbé" como se le conocía en esa época, había iniciado su vida musical desde muy niño haciendo su primera composición a los 14 años, un vals llamado Teresa. Posteriormente en junio de 1929, el tema Masato, una rumba, fue grabado por la Orquesta Panamericana en el sello Columbia de los Estados Unidos.

En ese mismo año se casa con Carmen Gravini, teniendo tres hijos, Francisco que reside en Bogotá, Carmen en los Estados Unidos y Armando Galán, trompetista, arreglista y profesor del programa de música de Bellas Artes de la Universidad del Atlántico.

Posteriormente ingresaría a la Banda Departamental, tocaría en algunas agrupaciones hasta hacer parte definitiva de la Orquesta Sosa, poniendo su talento creativo y de orquestador al servicio de Luis Felipe Sosa.

Cuando se muere Sosa y se crea la Atlántico Jazz Band en 1940, pasa a ser el arreglista de la mayoría de los porros, guarachas, cumbias y fandangos que interpretara o grabara la Atlántico Jazz Band.

Falleció el 21 de julio de 1988 en Barranquilla, ciudad donde había transcurrido gran parte de su carrera artística. Residía en ese momento cerca de una de las 14 esquinas de Siete Bocas en el Barrio Recreo. Antes de morir salió a recorrer las calles de Barranquilla. Algunas veces lo encontraban sentado a la orilla de las carreteras que comunicaban a esta ciudad con el resto del país, como queriendo salir o en una permanente búsqueda.

El maestro Pacho Galán tuvo muchas facetas en las diferentes formas de orquestar, utilizando saxofones, trompetas, trombones, clarinetes, piano, percusión, violines, flautas, cantantes, etc. Los instrumentos donde recargó su estructura musical dentro del contexto de la mayoría de sus arreglos de música popular, fueron los saxofones y la percusión; teniendo estos instrumentos una participación especial dentro de cada obra musical. De esta manera logró crear una identidad sonora y un estilo personal, para después continuar incorporando los demás instrumentos que componían su orquesta dentro de su propio estilo.

El merecumbé es una fiel muestra de estos conceptos, grandes éxitos como Cosita linda, Merecumbé en Bogotá. Merecumhé en saxofón, Tico Noguera, Río y mar y demás, donde el uso de los saxofones determinaba el aire de merecuinbé que se quería expresar dando a este una marcación o su perfil cadencioso con "sabor" a merecumbé La participación de estos elementos instrumentales determina con claridad la procedencia a la cual pertenece el concepto musical creado.

Es muy importante anotar que la divagación musical de la nueva melodía del maestro Pacho, estaría enmarcada dentro de la elegancia, timbre, sonoridad, articulación, color, resonancia y la parte más importante, la interpretación por parte del especialista, quien de una forma majestuosa logra una identidad, con su asimilación y compenetración con el creador, logrando así los resultados alcanzados. Este fue el caso del gran saxofonista Alex Acosta "El muñecón" quien entre muchos otros se lució en el tan pegajoso y acogido ritmo.

Paradójicamente aunque el saxofón marque el ritmo del merecumbé este nació en la percusión, parte importante también de este ritmo y llevado de la mano del excelente músico Pompilio Rodríguez quien viene a dar el toque final marcando una identidad definida como ritmo irrumpiendo así en el mundo tradicional del porro, la cumbia, el paseo, el pasillo, en donde la forma como se articula la percusión marca el aire interpretado.

Para el maestro Pacho Galán así como para el maestro Dámaso Pérez Prado las trompetas, los saxofones y el ritmo fueron parte definitiva para la identidad de sus creaciones musicales, como el clarinete para Luis Eduardo Bermúdez Acosta [Lucho Bermúdez] Carmen de Bolívar, Colombia, 25 de enero de 1912 Santa Fe de Bogotá, Colombia, 24 de abril de 1994.

Otras composiciones del maestro Pacho Galán son: El monito, Ay que rico amor, El bombom, Vanidosa, Dámela Manuela, Ve lo que haces, Merecumbé para soñar, Mi amor es tuyo, Rico y sabrosón.

 

Lucho Bermúdez

Fecha de nacimiento: 25 de enero de 1912 en el Carmen de Bolívar, Bolívar, Colombia.

Fallecimiento: 23 de abril de 1994 en Bogotá, Colombia.

 

Perfil general

El maestro Luis Eduardo Bermúdez, más conocido como Lucho Bermúdez, fue compositor, arreglista, director e interprete, convirtiéndose en el músico más representativo e insigne de Colombia en el siglo XX. Cinco generaciones de colombianos y latinoamericanos han cantado y bailado sus temas. Su música es la influencia del sonido de las grandes bandas de jazz sobre los ritmos tropicales del Caribe colombiano como el bolero, la cumbia, el porro y el merecumbé.

El inicio
A los 4 años de edad comenzó a estudiar el flautín bajo la batuta de su tío, el maestro José María Montes. Vivió en El Carmen de Bolívar hasta los 9 años y se mudó a Santa Marta, en donde a los 11 años ingresó a la banda militar. Allí aprendió a tocar el trombón, la trompeta y el saxofón, pero se inclinó por la flauta y el clarinete. Además se inició como arreglista y compositor de marchas militares y algunos valses como Lágrimas de una madre. Dirigió bandas en Chiruguaná, Mompós, Aracataca, El Banco y otras poblaciones de la región.

Su carrera orquestal y la escena internacional
Luego de 18 años de permanencia en Santa Marta viajó a Cartagena, donde dirigió la Orquesta A Número 1, del maestro José Pianeta Pitalúa, pionera en el estilo jazz band. En 1936 fue el director musical de la orquesta de Emisoras Fuentes y se vinculó a Radio Cartagena, colaborando con los primeros discos que se grabaron en Colombia. En 1939, fundó la Orquesta del Caribe y realizó su primera grabación con temas como Marbella, Cartagenerita, Joselito Carnaval y Borrachera.

En 1944, viajó a Bogotá para la inauguración del Club Nocturno Metropolitano, vistiendo de gala la música costeña y logrando que fuera aceptada en el interior del país. Allí difundió su música en varias emisoras capitalinas, amenizando en vivo programas radiales.

En 1946 salió por primera vez del país a Buenos Aires, Argentina, en compañía de Matilde Díaz, la voz que le dio un estilo y una identidad propia a su música. Conformó una orquesta de 22 músicos (entre ellos el maestro Eugenio Nóbile y Eduardo Armani) y grabó alrededor de 60 temas en la casa disquera RCA Víctor. Desde allí su obra empezó a ser difundida a otros países de América Latina, como Cuba, México y Perú.

Después de varios meses de viajes y grabaciones regresó a Bogotá y presentó en sociedad a la Orquesta de Lucho Bermúdez, el 15 de julio de 1947, en el Hotel Granada, iniciando una intensa agenda de presentaciones, giras y grabaciones que durarían toda su vida.

En 1948 se radicó en Medellín durante 15 años, donde trabajó de planta en el Hotel Nutibara, en el Club Campestre y como director artístico musical de la emisora La Voz de Antioquia. La capital antioqueña se convirtió en la sede discográfica más importante del país y allí grabó el tema Salsipuedes que lo convirtió en un auténtico ídolo popular.

Embajador musical
En 1950, se trasladó a México, donde conoció y trabajó con músicos como Benny Moré, Dámaso Pérez Prado y Tito Rodríguez y grabó alrededor de 80 discos. En 1951 viajó a Cuba, por invitación de Ernesto Lecuona, donde trabajó y grabó por más de seis meses con agrupaciones como La Sonora Matancera, La Billo’s Caracas Boys y Los Melódicos, entre otros. También realizó presentaciones en las principales ciudades de Estados Unidos como Nueva York, Los Ángeles, Miami, San Francisco, Las Vegas y Washington. También fue invitado a Venezuela, Costa Rica y Ecuador. Posteriormente regresó a Bogotá donde trabajaría con su orquesta hasta el 23 de abril de 1994, fecha de su muerte.

Su legado
El maestro Lucho Bermúdez compuso alrededor de 1000 temas, entre ellos porros, cumbias, gaitas, fandangos, mapalés, paseos, merengues, torbellinos, pasillos, joropos, bossa novas, tangos, mambos, chirivicos, chachachás, salsas, guarachas, joropos y jalaítos, demostrando su versatilidad para incorporarse en los diferentes géneros. Además inventó nuevos ritmos como el tumbasón y el patacumbia. Los mejores artistas y orquestas han interpretado su música como: Hugo Romani, Leo Marini. Gregorio Barrios, Bienvenido Granda, Jaime Llano González, Leonor González Mina, Carmiña Gallo, la Sonora Matancera, Benny Moré, Pacho Galán, Juanes, Tego Calderón, La Billo’s Caracas Boys, Los Melódicos y Tito Rodríguez, entre otros.

La Orquesta de Lucho Bermúdez aún continúa presentándose con gran éxito en escenarios nacionales e internacionales, siendo la de más permanencia en Colombia. Su hija Patricia Bermúdez es clarinetista y directora de la orquesta y además representante de la Fundación Tierra Querida encaminada a divulgar el legado del Maestro Lucho Bermúdez.

Canciones recomendadas:

Tolú
Salsipuedes
San Fernando
Danza negra
Colombia tierra querida

 

Francisco Zumaqué

Nació en  Cereté (Córdoba), 18 de julio de 1945. Zumaqué se define a sí mismo como un músico de raíces campesinas y populares de las sábanas del departamento de Córdoba, su región natal. Creció escuchando las bandas de porro y los tradicionales gaiteros de Cereté y San Pelayo, los conjuntos de vallenato en manos de músicos como Alejo Durán y las composiciones y arreglos de su padre Francisco Zumaqué, quien era director de la Banda Departamental de Córdoba y de la orquesta popular Los Macumberos del Sinú.

En este contexto inició su formación musical con clases de piano, guitarra y solfeo con Tiburcio Romero. Sus primeros arreglos y composiciones, escritos para la orquesta de su padre, los realizó inspirado en la música de Dámaso Pérez Prado, Stan Kenton y Juan García Esquivel, a quienes escuchaba incesantemente en programas radiales transmitidos desde estaciones cubanas, mexicanas y norteamericanas. Sus conocimientos iniciales se complementaron en la Universidad de Antioquia de Medellín, entre 1958 y 1962. Allí recibió clases de piano del maestro Gómez Arriola, de armonía con Mario Gómez-Vignes y además participó en la orquesta infantil y juvenil Di Lido, creada y dirigida por el saxofonista Justo Almario.

Luego de una nueva estancia en Cartagena entre 1963 y 1964, en donde inició la carrera de ingeniería, decidió viajar a Bogotá para ingresar al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Estudió armonía con Antonio Benavides, contrapunto y fuga con Fabio González Zuleta, dirección e instrumentación de banda con José Rozo Contreras, y dirección de orquesta y orquestación con Olav Roots. Muy pronto comenzó a escribir obras de carácter académico y, alentado por sus propios compañeros de estudio (entre quienes se encontraba la compositora Jacqueline Nova) incursionó en el uso de lenguajes atonales. Simultáneamente inició la composición y dirección de música para televisión y radio, y además ingresó como director artístico de Discos CBS (luego Sony Music) para la que hizo numerosos arreglos de música popular colombiana con novedosos formatos instrumentales.

En 1970 se graduó de la Universidad Nacional con los títulos de Compositor y Director de banda y orquesta. Gracias a su desempeño académico recibió la beca “Mejor alumno de Bellas Artes”, con la cual pudo continuar sus estudios avanzados en Francia. Al año siguiente ingresó al American Conservatory en París y allí fue alumno de Nadia Boulanger (escritura musical), Annette Dieudonné (entrenamiento auditivo) y Michel Philippot (composición). También participó en los renombrados cursos de música electroacústica de Pierre Schaeffer y Guy Reibel en el Groupe de Recherches Musicales (GRM) de París, estudió dirección de orquesta con Igor Markevich y asistió a las clases de composición de Olivier Messiaen de quién adoptó sus innovadoras ideas sobre tratamientos y desarrollos del material rítmico.

El contacto de Zumaqué con las corrientes contemporáneas de la música jugó un papel determinante en su valoración por las manifestaciones musicales tradicionales y la práctica popular. En el primer encuentro con Nadia Boulanger presentó obras de tipo abstracto con un lenguaje muy elaborado pero solamente logró captar realmente su atención cuando interpretó en piano varios trozos que había compuesto especialmente para una telenovela colombiana. La música incluía cantos de la región del Chocó en concordancia con el contexto cultural enmarcado por el argumento. Luego de escucharlo Boulanger lo impulsó a indagar en sí mismo la búsqueda de un lenguaje propio y original.

Una vez concluidos sus estudios en París, Zumaqué continuó con una trayectoria muy variada. Trabajó como profesor de composición del Conservatorio de la Universidad Nacional en 1976 y como investigador en el CENIDIM del Instituto de Bellas Artes en México en 1980. También se destacó como compositor y arreglista con la Fania All Stars, Cheo Feliciano y Eddie Palmieri entre 1979 y 1981. Con Macumbia, disco prensado en 1984, logró cristalizar una producción precursora en un estilo que combina el jazz, el pop y la música tradicional colombiana. Otro ejemplo que ilustra la posición ecléctica y flexible del compositor es Colombia Caribe, pieza que se convirtió en el himno del Festival de Música del Caribe en 1985 y que constituye una de sus composiciones más difundidas. Trabajos semejantes los ha seguido presentando en diversos escenarios en compañía de otros músicos como Totó la Momposina y Eddy Martínez con quienes montó el espectáculo Colombia suena bien que se llevó a cabo en el Teatro Colón de Bogotá en 1997.

Ocasionalmente ha retomado la composición de música para televisión y cine. En 1976 escribió la música para la serie La mala hora, basada en la obra literaria de Gabriel García Márquez, y en 1999 estuvo a cargo de la banda sonora del restaurado largometraje silente Bajo el cielo Antioqueño, de Arturo Acevedo, estrenado originalmente en 1924.

Su actividad musical se ha complementado y enriquecido con la asistencia a encuentros, foros, festivales, congresos y otros eventos. Igualmente su labor y obra han recibido varios reconocimientos y premios.

En los últimos años sus esfuerzos se han focalizado en torno al proyecto Taller de las Utopías. Según el compositor, es un programa de exploración y promoción de las músicas tradicionales colombianas. Varias de sus obras más recientes están relacionadas directamente con este proyecto, entre ellas, la cantata sacra Ciénaga de Oro, basada en elementos musicales religiosos tradicionales del departamento de Córdoba; la obra Zapqua Bacatá escrita para la celebración de los 459 años de la capital colombiana; Manglares (para soprano y tenor lírico, dos cantaoras de río y ensamble de marimbas) y Rito de Manglares (para ballet sinfónico con orquesta, coro y solistas cantantes), ambas estrenadas en Cali en el Festival Internacional de Arte.

 

Mario Gareña

Cantautor barranquillero nacido el 25 de septiembre de 1932 y cuyo nombre de pila es Jesús Arturo García Peña, es uno de los más versátiles compositores que ha tenido Colombia, así como uno de sus mejores cantantes. Su obra como compositor comprende ritmos de gran variedad y en todos ellos compuso grandes éxitos. Fue cantante estelar de diversas orquestas, como la “Sonolux”, así como de los conjuntos que amenizaban las noches de bohemia musical capitalina en los famosos bares de la época: “La Cashbá” y “La Cabaña” lugares donde era acompañado al órgano por el maestro Jaime Llano González. Su carrera de éxitos como compositor se inicia en 1970 cuando su balada “Te dejo la ciudad sin mí” resulta ganadora del “I Concurso de la Canción Latina” realizado en la ciudad de Nueva York, bajo la dirección de los grandes maestros Pocho Pérez y Rafael Díaz Gutiérrez, triunfo éste que sería el primero que canción colombiana alguna había obtenido antes en ningún concurso a nivel internacional.

Otras de sus más importantes composiciones, en diversos ritmos colombianos, son: el bambuco “Viva el señor bambuco”, el joropo “Cimarrón”, “Milagro de amor”, “Eucario”, “Estás en nada”, “El amor es una semilla”, “Qué linda es la mujer costeña”, “Me está fallando el olvido”, “Mi raza”, etc…Mención especial merece su monumental cumbia “Yo me llamo Cumbia” con versiones de muchos intérpretes, entre las que sobresalen las del propio autor y la de Leonor González Mina, considerada por muchos de los folcloristas de nuestro litoral atlántico como la más bella de las cumbias que se han hecho en Colombia:

“Yo me llamo cumbia, yo soy la reina por donde voy,

 no hay una cadera que se esté quieta donde yo estoy,

 mi piel es morena como los cueros de mi tambor

 y mis hombros son como una maraca que besa el sol...”

 

Petrona  Martínez

Su primer grupo musical fue su familia. Desde niña, Petrona Martínez vivió inmersa en el folklore de origen africano de la Costa Atlántica, oyendo cantos de su abuela y de sus tías, con quienes se crio después de que su madre enfermara. Así aprendió a cantar bullerengue, una danza musical campesina proveniente del África, mezclada con la cadencia del mar caribe. Entonando melodías durante el trabajo, sembrando yuca, ñame, arroz, plátano, guandul o maíz, cantando por la tierra y los animales, y cantando también con lamento por los trabajos desmedidos de su gente para poder ganarse la vida. Los saberes cotidianos y la sabiduría heredada por sus ancestros le dieron palabras a su voz, formada en fiestas patronales y celebraciones familiares mucho antes de que aprendiera a leer y escribir, ya adulta, con la lista de mercado. Así nació Petrona Martínez como intérprete y compositora, una de las últimas y más destacadas embajadoras de la música afroamericana en Colombia.

Después de oírse su voz por décadas en el Barrio Palenquito, y de colaborar con Los Tambores de Malagana, empieza a grabar con su grupo musical desde la década de 1980. Su nombre deja de reconocerse únicamente entre círculos especializados, se hace popular en la década de 1990 después de triunfar en el exterior. En Europa su trabajo se difunde entre públicos de música étnica y se escucha a través de Radio France Internacional. En el año 2003 fue candidata a un premio Grammy latino por mejor álbum de música folclórica. Sus giras llevan la cultura colombiana de la costa Atlántica a países como España, Dinamarca o Inglaterra. Petrona Martínez se alegra de dar a conocer la música de origen africano de su tierra, buscando mantener viva su tradición. El tambor alegre, la tambora, la gaita, maracas y totumas, el llamador y los coros son parte de su grupo musical, en el cual nuevos miembros de la familia participan ahora. Recientemente ha efectuado recitales para apoyar los derechos de las mujeres trabajadoras, recordando su humilde origen de mujer campesina y sus manos marcadas por tantos años dedicados a la labranza. Vestida con blusa blanca y polleras de flores, sentada en una mecedora, canta, como siempre lo ha hecho, aunque ahora caliente su voz con sopas caseras en vez del ron de antes. Canta por la alegría y por la tristeza, como en Palma de Tamarindo, canción dedicada a Luis Enrique, su hijo fallecido antes de tiempo, con la que cierra sus conciertos. La voz de Petrona Martínez retumba desde el alma mientras sacude los cuerpos.

Algunas de sus producciones:

El Bullerengue

El destape del folclor

La vida vale la pena

Bonito que canta